Ocho horas en Bonn 2

Mi idea de lanzarme a Bonn fué originalmente provocada por una exposición de Kandinsky, pintor a quien apenas hace un par de años descubrí en Bonjour Russland. No es que nunca lo hubiera visto, es que en realidad nunca lo había entendido. En aquélla exposición en el museo de Düsseldorf descubrí que el verdadero sentido de Kandinsky era representar sonidos, "El sonido es el alma de la forma". Desde ahí me empezó a llamar mucho la atención su pintura, la cual además no es toda abstracta. Tiene varias etapas. Antes de lanzarme a Bonn confieso no haber puesto atención al subtítulo de la exposición y pensé que se trataba de una amplia exposición de la obra de Wasily Kandinsky.
Al buscar cómo llegar al Kunst Musum encontré que en el de alado, en el Halle, estaban las otras dos expos, por lo que pensé "matar tres pajaros de un tiro".
Como les dije, entré primero al Gipfeltreffen que me llevó casi tres horas. Terminé exhausta y me fuí a comer. Por qué en los museos se come mal y caro?

Ya en el Kunst Museum tuve el problema de que la mujer de la caja del Halle me dió un Kombi-ticket pero para la Gipfel y para Modigliani y no un kombi para los dos museos. Si van, pidan un kombi para los dos museos! (Kombi-ticke für beide Häuser) Pues en el primero pagué 9€+6€ del audio y en el segundo tuve que pagar otros 3€ (claro me salió más barato pues soy estudiante, aunque no lo crean).

La exposición de Kandinsky para mi sorpresa era únicamente sobre sus grabados y litografías, las que valían la pena, pero para ser sincera si hubiera ido sólo hasta Bonn para ver éstos pequeñitos grabados me hubiera desiulsionado mucho. A la entrada hay una sala con fotografías y la vida de Wasily Kandinsky. Después en las tres salas de su exposición se encuentran diversos trabajos suyos realizados en xilografía, litografía y grabado.

"Aquí están estos abstracciones o formas abstractas que en sí mismas no son importantes, sino su tono interno, su vida"

"la creación de la obra es la creación del mundo. Las obras de arte surgen del caos"

Kandinsky era jurista, pero empezó a realizar trabajos de xilografía (técnica de impresión con planchas de madera) y se quedó instalado en el arte, jugaba con los colores y las figuras. Se puede ver cómo buscaba representar a través de las manchas de la impresión las formas y figuras que se asomaban como manchas de tinta. Representa cuentos de hadas y tradicionales rusos o escenas bíblicas. En estos trabajos se puede apreciar cómo la impresión de las figuras influye en su pintura más tarde. Después trabaja con linóleos, aquí las Grüne Frauen y las Zwei Mädchen me gustaron mucho. No había postales ni imágenes en ningún lado. Kandinsky publica un libro llamado "Gediche ohne Worte" o poemas sin palabras, consistente en imágenes de Xilografía que representaban poesía visual. Para Kandinsky la xilografía eran abstracciones de lo que se grababa en la madera. Después publica junto con otros artistas el Almanaque Die blaue Ritter, los caballeros azules, que estaba destinado también como una manifestación artística. En la portada apareció este dibujo, que otra vez, representa a San Jordi, que en lo que va de éste mes se me ha aparecido por todos lados.
Su último trabajo con la técnica de xilografía es la mancha negra o Die schwarze Fleck pues considera que es el control de la técnica, la mancha negra es la abstracción y la impresión.
Comienza su etapa de grabado con aguja fría (no sé la traducción exacta es kaltnadelradierung) aquí su obra es totalmente abstracta, juega con las formas y la geometría, se puede apreciar una etapa de experimentación, mientras que la primera es de descubrimiento.
Durante ésta época Kandinsky viaja a Estocolmo donde conoce a su mujer y expone varias de éstos grabados. Después comienza con las litografías gemoétricas, el contraste de las formas estáticas con las formas en movimiento. Comienzan sus años de pintura Bauhaus en Weimar, donde realiza diversos trabajos representando a ésta escuela. La técnica de la litografía es lo que principalmente trabaja, aunque la escuela Bauhaus se basa n la xilografía principalmente, las figuras geométricas y abstractas y los colores primarios. Kandinsky realiza grabados para ediciones, libros, otros artistas y personalidades.

Estoy viendo muy contenta el último grabado, paso una puerta y me topo con una pintura de August Macke, pinto con quien Kandinsky formó el grupo de Die blaue Ritter, pero que definitivamente nada tenía que hacer en la exposición de Kandinsky, pregunto a la mujer del museo y no me entiende, vuelvo a preguntar dónde sigue Kandinsky, me ve raro. Volteo a ver el letrero en la pared y el título decía "Wasily Kandinsky, litografías y grabados". Allí me dí cuenta que la exposición había acabado y que lo que seguía era otra cosa. Total que yo todavía tenía ganas de ver a Modigliani, además ya había pagado por ella. Así que ví de volón los cuadros de Macke, de Ernst, de Carlo Mense y de Emil Nolde, de quien por cierto me gustó una pintura de nubes doradas y moradas. Pero pues no estaba en el mood de echarme a estos amigos, de manera que salí, fuí a la tienda para comprarme mis postales, cosa que siempre hago y a las 5pm entré al Halle de nuevo para ver Modigliani.


Pues bueno, el chiste de los museos cuando la obra está bien expuesta y ahora con las audioguías es que salgas de la exposición como fan del artista expuesto. Modigliani tiene una nueva fan. Recordaba sus pinturas, retratos de mujeres con caras larguiruchas y pieles con tonalidades de barro. Lo primero que encuentras entrando a la sala es una enorme fotografía de un hombre guapo y simpático: italiano. Me confronté con él y nos caímos bien desde la primera mirada, me conquistó su simpatía. A un lado su historia, las paredes de toda la exposición estaban repletas de citas y comentarios sobre él y de él. Atrás una pared repleta de fotografías de él, otros pintores como Picasso o Diego Rivera y de su Jeanne Hèbuterne o de su Beatrice Hastings, de los Zbrowska.

La primera pintura que ví fué este retrato de Jeanne Hèbuterne, espera a su primera hija, Jeanne. En el retrato se puede ver la marca del último Modigliani, los ojos azules y vacíos, al final de su obra Modigliani deja de pintar las pupilas, un razgo característico de su obra, pero a pesar de ello, los rostros no pierden expresión. En este retrato veo a una Jeanne tranquila y apasible, confiada y plena. Su boca es un corazón.

Su obra comienza con retratos muy clásicos y puedo decir que hasta aburridos, la combinación de colores de The begger of Liromo es muy bella, pero no había un sello Modigliani aún. Después aparecen en su obra las influencias africana y picasso, encontré unas Caryatides que me recordaron mucho a las de Picasso, sólo que las de Modigliani son como virginales y delicadas y las de Picasso son unas matronas ya con alguna experiencia. Las de Modigliani son finas en cuanto a su forma y movimientos, las de Picasso son más masivas. Aparecen varios dibujos en su mayoría caryatides y mujeres, así como algunas esculturas que parecen máscaras africanas. Más atrás encontré un retrato de Diego Rivera, de los retratos que siguen, el de Diego es el único que tiene una cara redonda sin cuello y labios carnosos, la figura es rechoncha y no alargada como sus demás retratos. Diego es exhuberante. Lo pinta durante la época del Cafe de la Rotonde donde se encontraban él y otros pintores de la época. Pinta enérgico salvaje, combna expresionismo y elementos del pointillismo. El cuadro muestra una explosión de negros y azules, las manos son entre rojo y rosa y la mirada a medias, una sonrisa apenas. Me parece como un hombre satifecho, en una sobremesa.

"Happines is an angel with a grave face" dijo Amadeo Modilgiani. quien penetraba los pensamientos de sus modelos y los pintaba. En el cuadro que sigue encuentro a una mujer desnuda, Reclining Nude de CelineHoward, ella parece preguntarse si está bien como está, parece estar intentando entrar al pensamiento de Modilgiani. A pesar de que en lo general pareciera que todos los rostros son iguales, nada más falso: cada retrato representa una emoción diferente, cada cara muestra sentimientos, y expresiones distintas.
Encuentro un par de desnudos de un jovencito, me llama la atención pues es raro encontrar esto, al menos yo nunca había encontrado dibujos de desnudos de un niño. Después encuentro el retrato de una de sus mecenas Hanka Zborowska, ella toda de negro con una expresión elegante una leve sonrisa. El color negro me recuerda algo como en Goya, no sé porqué, será la intención de nobleza o los negros.
Otra de sus modelos y musas, Lunia Czechowska dice "tu alma estaba siendo diseccionada y tenías el sentimiento de que eras incapaz de esconder tus sentimientos más profundos" Modigliani además cantaba en italiano a sus modelos, mientras les observaba el tuétano para pintar con esa firma suya de cuellos y narices largas a las mujeres (y hombres). "He unlocks human nature" decía en la pared, y sí, en la mayoría de sus retratos podías ver los pensamientos de los retratados. La gran mayoría eran mujeres, pero también se encuentran algunos hombres, aunque debo decir que era para él, clásicamente italiano, más fácil diseccionar a las mujeres. El color de la piel al final de su obra es rojizo, en alguna pared decía "acaso no es más alegre que esos rosas blancuzcos que se nos obliga a usar?"

En 1920 esperando a su segundo hijo y a punto de casarse con Jeanne Hèbuterne, Amadeo Modigliani muere de meningitis tuberculosa. Dos días después, Jeanne, de apenas unos 23 años y con nueve meses de embarazo se lanza por la ventana, dejando huérfana a la pequeña Jeanne Modigliani de unos dos años. Tuvieron que pasar 10 años para que los padres de Jeanne aceptaran que los dos descansaran juntos. Se cree que el último cuadro que Amadeo Modigliani pintó, fué su autoretrato.
Aquí el autoretrato y Jeanne (ninguna de las dos estaba ayer)

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Ocho horas en Bonn

Ayer me escapé todo el día a la antigüa capital de la República Federal Alemana: Bonn. La última vez que estuve allí llovía y nuestro recorrido por el Regierungsviertel (barrio del gobierno) fué bastante gris y solitario. Me dió la impresión de que Bonn era una ciudad fantasma, como esos pueblos vaqueros en donde solamente se escucha el pasado y algunas hojas secas que rebotan entre las casas abandonadas.
Ayer la experiencia no fué muy distinta, pues fuí solamente a dos museos, pero sí debo reconocer que encontré una Bonn cosmopolita, desde el metro hasta la gente en los museos. Había pocos turistas y los empleados de los museos provenían de diferentes nacionalidades: La Sra. que recoge los boletos era hindú, la chica de los audifonos chilena y la cajera brasileña, el del guardaropa de Camerún y el mesero no supe de donde, pero tenía un acento que me sonó de Europa Central.
Entre Aachen y Bonn no hay más de 150 kilómetros, pero en tren tengo que ir primero hacia Colonia (Köln) y de allí tomar un tren hasta Bonn. Es un camino de una hora y media. En la estación central de Bonn está perfectamente anunciado por dónde y cómo llegar tanto a la Milla de los Museos (Museum Meile) o al Barrio del Gobierno. Tomé el metro y aparecí exactamente frente al Kunst Museum Bonn. Mi intención era ver tres exposiciones que se encuentran en dos museos: Kandinsky, grabados y dibujos en el Kunst Museum y otras dos en el Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland (que aquí llamaré Halle): Modigliani y Cumbre de los Modernos. Pensé que la Cumbre sería la más larga por tratarse de la colección del Museo de Arte Winterthur en Suiza que se encuentra en remodelación y presta su obra a Bonn. En efecto, tres horas me pasé admirando pinturas de varios de mis favoritos y conociendo a otros pintores y escultores que no conocía.

En la entrada te encuentras con una escultura de unos 3 metros de Rodin, uno de los ciudadanos de Calais, un cuerpo masculino desnudo con una expresión de movimiento. Pierre de Wissant monumental. La expresión de su cuerpo y la idea de liberación de los ciudadanos de Calais está allí presente.

La escultura está rodeada por unos árboles danzantes de Cezanne, la iglesia de Moret a la luz de la mañana de Sisley, El Blv. de Montmatre en Mardigras de Pisarro y Les Pissentils de Van Gogh (muchas más, pero sólo platicaré sobre las que me gustaron).
Pasando la emoción de Pierre de Wissant me topé con una cabeza de bufón, me acerqué y se trataba de una tête de Fou de Picasso. Después descubrí a Odilón Redón, una hermosa pintura de una figura humana en tonos rosáceos Alsace o Moin Lisant. Aparecen después pinturas del grupo de los Nabis o profetas, para quienes el juego de la luz en la pintura es un elemento importante, así el cuadro Lábat-jour-orange de Pierre Bonnard muestra exactamente éste juego de luz que se desprende de casi el centro del cuadro de una lámpara naranja y cómo ésta luz refleja en las mujeres sentadas a la mesa y los objetos a su alrededor. Después encontré otra escultura de Renoir, Venus con la manzana de la discordia. Atrás, Ferdinand Holder con sus tonalidades azules, no fué de mis favoritos, pero la explicación de una pintura muy grande que representa a cuatro o cinco mujeres iguales me llamó la atención, el título es Blick in die Unendlichkeit, es decir, una mirada al infinito y representa a las mujeres como queriendo mostrar la igualdad de las personas, todas representan el mismo sentimiento, se mueven al mismo ritmo, no se tocan pero se sienten, traen la misma ropa y creo que quiso decir "todos somos humanos".
A un lado estaba Hugo Caro pintado por Oskar Kokoschka. La siguiente sala estaba dedicada específicamente a Vallotton y a Vouillard. Del primero se presenta un desnudo muy bello, del segundo me gustaron los efectos que logra en con el óleo al pintar sobre cartón. Ambos autores, parte de los Nabis, jugaban también con los símbolos, buscan representar ideas, sentimientos. "Un Cuadro es un Plano Liso".

Después viene el Modernismo con Rousseau, Delauney, Kandinsky, el Cubismo con Braque y Picasso y el Purismo como respuesta representado por LeCourbusier y Amédée. Ésta es mi época favorita, aquí pude ver un par de Juan Gris y los contrastes de Léger, para quien los cuerpos son objetos con cualidad plástica, no más no menos, son lo mismo que una bicicleta. Léger me recuerda a los rusos abstractos (ver mi entrada de Au Revoir Russland) Después la ventana de Delauney, ya deshaciéndose de los objetos, podemos distinguir escondida entre los colores una torre Eiffel verde. Apollinaire escribe poemas sobre las ventanas de Delauney para quien el color es el fruto de la leu es la base de la pintura (a diferencia de los cubistas, para quienes la base es la forma). Braque aparece con sus objetos múltiples, los cubistas toman un objeto y lo desmenuzan, buscan representar esa forma que recibe y forma el cerebro. Son influídos por Cezanne. Buscan revivir los colores ocre, gris y café. El Impacto del cubismo se encuentra en el arte Abstracto y en la Concrétion, el primero será el opuesto a los objetos el segundo busca ser más cercano a la naturaleza.
Aquí aparecen también un Picasso, Deux Personnages y un Klee, Augen in der Landschaft, rodeados de esculturas amorfas de Hans Arp, quien no puede encuadrarse en ninguna escuela o movimiento, aunque se podría clasificar como Arte Concreto, para él el arte es un momento intermedio, busca la autonomía del objeto, la anonimidad de éstos en el espacio, que se confundan en la naturaleza como los animales, las plantas o los seres humanos. Después encontré un Kandinsky, uno de mis favoritos, cuya exposición que ví más tarde, fué la causa de mi viaje a Bonn. Este Kandinsky es un cuadro que representaba una escena religiosa, como si se tratara de un vitral, muchos colores, y formas que representaban figuras humanas y de la naturaleza, influenciado por Monet, Kandinsky busca pintar lo que se ha quedado impregnado en el pensamiento, y busca lo mismo en su espectador. Lo logra, tengo ese cuadro bien grabado. Para él la pintura son imporvisaciones, juego de colores y formas, es como la música.
A lado una escultura extraterrestre de Brancusi, Danaide. Junto, dos Paul Klees, el segundo, una retícula de colores, llamada Blühendes o Blooming, me llama la atención. El centro de colores vivos va siendo influído por los colores oscuros, no hay líneas exactas, Klee juega con el color y la influencia de estos al estar juntos.
Viene el arte de Posguerra que me da la impresión de depresivo y una búsqueda de identidad sobre todo las esculturas de Giacometti, en especial Clearing o La Clairière de 1950, son 9 figuras humanas, seres humanos largos, presionados, flacos, absoribidos, abstraídos. Enfrente un Late Picasso, de su época mosquetera, Homme et Femme de 1961, él es un Mosquetero con bigotes sombrero y botas que hace el amor a una mujer. Alado la Exploded Head de Appel, violenta como su nombre, de 1958.

El arte de posguerra "American Abstract Painting" se traduce en aventura y riesgo, espontáneo y sentimental, no busca representar objetos ni personas. En lugar de Matisse, Picasso, Miró entran a escena los norteamericanos, los que ganaron la guerra. Richard Tuttle y sus tablas en donde combina color y forma con objetos. A pesar de la dominancia de la abstracción los artistas han continuado intentar representar acción. En los ochentas aparecen las ficciones, el estatus del trabajo de arte o las investigaciones artísticas ya no estaban al frente de la discusión. Lo que le da al artista la posibilidad de socavar el consenso y jugar con él, vienen las instalaciones. Giuseppe Penone presenta Riflesso del Bronzo, 6 paneles de Bronce muestran desde un panel que parece espejo y refleja su color en el piso como luz, hasta uno oxidado y doblado.
1997 fué la última fecha que registré con la obra de Gerhard Richter, una pintura que pensé que era una fotografía, y esa es la idea. Landschaft o paisaje es una pintura realizada con una técnica en donde Richter proyecta la fotografía sobre el linezo, la delínea al carbón, la pinta y con una técnica especial la difumina. La idea es representar el pasado. La pintura clásica es siempre presente, está sucediendo frente al pintor, en cambio la fotografía captura el momento que ya pasó. La pintura de Richter refleja el pasado, la cámara no reconoce objetos, solo los ve.

La Clairére de Giacometti

L´abat-jour-orange de Pierre Bonnard

La fenetre sur la ville de Delaunay
autoretrato de Ferdinand Holder

Sisley, La iglesia de Moret a la luz de la mañana.

Más tarde, contaré mi recorrido por las exposiciones de Kandinsky y de Modigliani.

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Regresa el Plastinator a Berlín

El polémico artista y plastinador Gunther von Hagens resgresa a Alemania con otra -como siempre- polémica exposición de más de 200 cuerpos plastinados. La plastinación es un procedimiento técnico de preservación de material biológico, creado por el artista y científico Gunther von Hagens en 1977, que consiste en extraer los líquidos corporales como el agua y los lípidos por medio de solventes como acetona fría y tibia para luego sustituirlos por resinas elásticas de silicona y rígidos de epóxicas.
von Hagens ha roto tabúes con su exposición de cuerpos que recorrió el mundo en 2004, a mi me tocó en Frankfurt, no fuí a verla por falta de tiempo, pero recuerdo que la polémica era fuerte. Ahora von Hagens regresa no sólo con sus cuerpos de hombres, mujeres, niños y bebés plastinados, sino que el tema representa otro tabú: el sexo.
La exposición se llama "Schwebenden Akt" o acto flotante y presenta cadáveres de mujeres y hombres en distintas posiciones sexuales. El jueves pasado fué la inauguración y ya ha provocado duras críticas.
La exposición completa que puede verse en el Berliner Postbahnhof se encuentra enmarcada en el tema "Körperwelten & Der Zyklus des Lebens" o mundos corporales y el ciclo de la vida.

Lo dicho, no he ido a una exposición, pero me parece interesantísimo ver los cuerpos en posturas comunes, ver los músculos, nervios, sistema óseo, en fin, como somos, como soy por dentro. Y von Hagens no hace otra cosa más que mostrarnos nuestra existencia, los cuerpos son como un espejo. Ahí el Tabú, a muchos no les gusta verse como un simple conjunto de huesos, músculos y grasa. Los cuerpos pertenencen a personas que decidieron donar su cuerpo a la ciencia, y qué mejor forma que ésta? Inmoral? Antiético? por qué? Estos cadáveres hubieran sido usados de igual forma en una escuela de medicina.





Galeria de Fotos en © ZEIT ONLINE
El Sitio de von Hagens

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Amantes de Kandinsky! pionero de la pintura Abstracta

Esta entrada es de octubre pasado, y ya llegó la exposición a Bonn, estoy planeando próximamente ir a verla. Por si te interesa, aquí va la información que publiqué aquella vez:



Quienes gusten de la Obra de Wasily Kandinsky, este sábado 25 de octubre y hasta el 22 de febrero pobrá ver una impresionante exposición de su obra en el Münchner Lenbachhaus. Según los curadores de la exposición, ésta sería el sueño del pintor ruso Kandinksy.
"Absolut Abstrakt" y "Das druckgrafische Werk" exponen por primera vez 92 obras del pintor abstracto, prestadas de museos neoyorkinos y parisinos. Se trata de tres colecciones juntas, que estarán presentadas de manera tal que se pueda apreciar la evolución de su obra.
Zur Website des Museums [lenbachhaus.de]

Para los que no logren llegar a München en estas fechas, a partir de marzo de 2009 y hasta julio, se trasladará el pintor al Kunstmuseum Bonn.

Kandinsky para mí es como un traductor de sonidos, sus cuadros son sinfonías de colores y así como Bach imaginaba la perfección de los círculos en el Universo y el canto de los ángeles al componer su música, Kandinsky nos muestra cómo se ve la música. Cómo puede la armonía del sonido representarse en figuras y colores...La abstracción de lo percibido por otros senidos.

Aquí una página sobre la exposición y la obra de Kandinsky. El video sobre la expo de ARD.

El video De la expo en alemán (recomiendo pues se pueden ver muchas obras).

Después de Alemania, se irá a Pompidou en París y a Guggenheim en Nueva York.

La pintura se llama "Einige Kreise" o "Algunos Círculos". Para Kandinsky "el círculo es formal, pero está relacionado con lo cósmico, es 1. la forma más modesta, pero consolidada sin piedad, 2. precisa, pero interminablemente variable, 3. estábil e inestábil al mismo tiempo, 4. silenciosa y ruidosa al mismo tiempo, 5. una tensión, en sí misma trae innumerables tensiones"

Tendré que esperar a primavera de 2009, ir a Bonn y después les contaré largamente cómo está la expo, como hice ya una vez con Bonjour Russland!

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Entropa: Arte o Mal Gusto?

Entropa
David Černý, artista de origen checo, es el autor del concepto y de algunas de las esculturas que se exhiben en el foyer del edificio del Consejo Europeo en Bruselas.

"Yo soy autor del concepto. Todo es una broma. Ésta es una casa espantosa, tan angosta y fría, y todos se sienten muy importantes. Todo burocrático, por ello quise hacerlo todo más feliz."

La instalación de Černý llamada "Entropa" ha ofendido algunos pues muestra una imagen de los países miembros que puede ser entendida como crítica o como estereotipo. Lo cierto es que algunos ya se han quejado del "mal gusto" del artista.



Alemania como país de Autobahns, algunos reconocen en una cruz gamada.

Polonia: Ministros sosteniendo una bandera gay.

España, boom de construcción. "Todo encementado"

Bulgaria, país de WCs

Rumania, país de Drácula


Desde enero de 2009 y hasta finales de junio, la presidencia del Consejo está en manos de la República Checa, y fué el ministro de Europa de ese país, Sascha Vondra, quien develó el trabajo
"Aquí se trata de una instalación mixta, el trabajo colectivo de 27 artistas." Pero la realidad es que Černý realizó personalmente varias -sino es que todas las esculturas. Los funcionarios checos se sienten molestos y apenados. Algunos países ya han mostrado su inconformidad. Desde Sofía la queja fué que se trataba de una obra de muy mal gusto.

Qué dices? Arte o mal gusto?

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Villa Villa

Y es que al ver el performance de La Fura, me acordé de De La Guarda y su Villa Villa. Me tocó verlo en Off Broadway, simplemente genial.
Este fué el mejor video que encontré, aunque está en japonés (supongo que es japonés) es el que mejor muestra el espíritu de este espectáculo lleno de emociones, como publico las vives todas! *Spoiler*

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MUMA

©Leonora Carrington

El Museo de Mujeres es un proyecto independiente sin fines de lucro de Lucero Gonzalez, iniciativa que realiza al recibir un premio de la "Sociedad Mexicana Pro Derechos de la Mujer A.C. Semillas," por su trayectoria y liderazgo en la construcción de Semillas. Dicho Fondo feminista está dedicado a financiar proyectos de mujeres para el cambio social desde una perspectiva de los Derechos Humanos.

La misión: Hacer la memoria de las Mujeres Mexicanas en Artes Visuales a partir del siglo XX.

La visión: Ampliar el horizonte sobre las diferentes expresiones de las creadoras en México y promover la reflexión y el dialogo sobre el arte tendiendo puentes con iniciativas en otras partes del mundo.

Principios: Reconocer el valor y las aportaciones en la construcción de la diversidad cultural y el respeto por las personas sin discriminación de cualquier tipo: edad, religión, preferencia sexual, raza o clase social.

Visita su página
Directo a la Galería pintura, fotografía, performance, artes visuales...

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La Orquesta Filarmónica de Nueva York en Corea del Norte

La invasión de la música en el mero corazón comunista de Pyongyang. Cuando la política falla hay que echar mano del arte no de las balas.

Oimos parte de la New World Symphony de Dvořák dirigida por Lorin Maazel.

El concierto completo aquí

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Robo en el museo de Zurich.

En esta sala del Museo de Zurich, se encontraban las 4 obras que fueron robadas.

El domingo penetraron 3 hombres con pasamontañas al museo que alberga la Bührle Collection, una de las colecciones privadas más importantes de obras del Impresionismo y Post-impresionismo en Europa a plena luz del día, y se llevaron 4 pinturas. El robo sucedió alrededor de las 5pm del domingo, antes del cierre.

Las 4 pinturas valuadas en 163 millones de dólares aproximadamente no eran las más caras de la exhibición, parece ser que se llevaron las 4 pues estaban juntas exhibidas en la misma sala.

Se trata del segundo robo multimillonario de arte en Suiza en una sola semana. El robo del domingo fue audaz y como de película hollywoodense, la semana pasada también, cuando se llevaron dos Picassos valuados en 4.4 millones.


Las piezas robadas en Zurich son consideradas obras maestras que son tan conocidas que resultan invendibles pues se trata de 4 artistas prominentes del siglo XIX.


Monet, “Poppies Near Vertheuil”
1879


Cézanne, “Boy in a Red Vest”
1895


van Gogh, “Blossoming Chestnut Branches”
1890


Degas, “Count Lepic and His Daughters”
ca. 1871

El F.B.I. estima que cada año se pierden alrededor de 6billones de dólares cada año en crímenes contra la propiedad artística y cultural.

Así que mucho ojo, si alguien ve estas obras de arte en la sala de alguien...

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Picasso: Les Demoiselles d'Avignon 1907 - 2007

En el centenario de Las señoritas de Avignon, copio aquí un video en el que se muestran todos los bocetos realizados antes de pintar este cuadro (uno de mis favoritos).

Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso representan el hito del cubismo, rompen con el realismo y presentan las figuras en planos angulares sin fondo ni perspectiva.

Los cánones estéticos dimensionales e ideales son cambiados. Les Demoiselles, se ha dicho, marca el inicio del arte moderno.

Un detalle que también me parece interesante (hay miles) es el de dos de los rostros que asemejan máscaras tribales. Influencia del arte africano. La recepción de otras culturas.

Todo un cambio de paradigmas...

Este cuadro se encuentra en el MOMA. Nunca lo he visto en persona.

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